Trois raisons de découvrir Giselle(s), le ballet romantique remis au goût du jour

Monument du ballet romantique, Giselle méritait sa relecture plus actuelle et féministe. C’est désormais chose faite avec Giselle(s). Finis les tutus, place aux tenues de guerrière, symbolisant la lutte contre les violences faites aux femmes.

Dans cette réécriture, Giselle, incarnée par Marie-Claude Pietragalla, s’érige en figure d’émancipation et de résistance. Véritable symbole, elle incarne la force et le courage, et lutte pour l’égalité et la justice.  Une œuvre aussi belle qu’émouvante, qu’il est possible de découvrir à La Seine Musicale de Paris entre le 14 et 17 mars 2024.

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Une tragédie intemporelle

Représenté pour la première fois en 1841, Giselle est le ballet romantique par excellence. Il représente même l’archétype du genre. Triangle amoureux, romance impossible entre deux personnages de classes sociales différentes, issue tragique et rédemption : tous les ingrédients de l’œuvre classique sont là. 

À tel point que 182 ans plus tard, l’œuvre est toujours sur le devant de la scène et représentée dans des opéras du monde entier. C’est un classique qu’il est toujours bon de (re)découvrir. D’autant que l’intrigue n’a pas pris une ride… Ou presque. 

Remise au goût du jour

Mais voilà, depuis l’écriture originale de Giselle, l’imaginaire romantique autour des relations amoureuses a bien changé. En 2024, Giselle devient Giselle(s). L’héroïne représente maintenant toutes ces femmes cibles de violences conjugales. Victime du patriarcat, elle ne périt plus en raison d’un chagrin amoureux, mais des coups de son compagnon. 

Dans le deuxième acte, l’amour de l’homme ne lui suffit pas à se faire pardonner de sa cruauté. Toutes les victimes des violences faites aux femmes s’unissent dans une danse macabre. Elles deviennent les Wilis. Leur objectif ? Punir les auteurs des sévices qu’elles ont subis. 

Une beauté viscérale

La relecture contemporaine de Giselle(s) est orchestrée par Marie-Claude Pietragalla et Julien Derouault. Le duo n’assure pas seulement la chorégraphie de la pièce et la mise en scène, il incarne également les deux rôles principaux. Mieux, ils sont entourés de leur bande. 

Ce ne sont pas moins de 16 danseurs et danseuses, issues de la troupe Le Théâtre du Corps, qui se retrouvent ainsi sur scène dans une mêlée gracieuse, conjuguant mouvements classiques et gestuelles modernes. Une mise en scène puissante, faisant la part belle à la théâtralité des corps sans pour autant étouffer l’histoire tragique qu’elle présente.